El blog de Gnomo

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miércoles, 9 de enero de 2013

El bodegón


"...las características propias de la naturaleza muerte. Guy Davenport atribuía a esa forma artística dos rasgos principales: la permanencia y un pertinaz 'residuo de didactismo'. Aun tratándose de una modalidad pictórica hogareña y menor, o precisamente por ello, es una de las prácticas creativas que ha tenida más continuidad a lo largo del tiempo, si no la que más. A diferencia del paisaje, que, a decir de Davenport, tiene una presencia 'discontinua' e intermitente en el curso de la Historia del Arte, la naturaleza muerta siempre está ahí, en su inmóvil ahí de cosa imperecedera. Y siempre es insistente y repetitiva: útiles modestos, objetos de caza o la inefable bandeja frutal, versión hogareña del Cuerno de la Abundancia, son elementos icónicos imperecederos. Viejunos e inmarcesibles, monarcas de la galería de arte demodé, pero también aceptados, tolerados más bien, en los museos de creación contemporánea, en su presencia -presencia repetida, pues un bodegón siempre se ve de nuevo- no exclamamos '¡esto ya lo he visto cien veces!', como si algo en el género resistiera, contra viento y marea, a los cambios y a las modas: como si fuese la invariable pictórica necesaria para poder aceptar todas las otras vertiginosas transformaciones de las corrientes, tendencias y formatos de las artes."

Eloy Fernández Porta,
ed. Anagrama, Barcelona, 2012,
pág 176-177.

La imagen es una pieza de Il Studio expuesta en la muestra Le Nouveau Design,
 comisariada por Tactegraphics en el MUVIM 

domingo, 10 de julio de 2011

Aya Tanako


Me ha vuelto a dar por Aya Tanako...

De estética Kawaii y a menudo incluída en la etiqueta Superflat, el trabajo de Aya Tanako es... muy japonés.
Saturado de información, naíf y algo perverso, tan desconcertante como fascinente.



Las influencias de Tanako están evidentemente en el pop y el pulp, pero también en la pintura renacentista y la decoración barroca, en la estética infantil y en outsider artists como Henry Darger. Además, por supuesto, en la imaginería japonesa, tanto en la anterior al siglo XX como en la más contemporánea.

Todo un mundo de influencias que tensan las cuerda entre lo civilizado y lo primitivo, lo elevado y lo popular, lo famoso y lo marginal.



 
En la página de la Galería Perrotin (nuestra galería favorita de París) podéis ver un montón de su obra más reciente.
También existe un pequeño documental sobre Aya Tanako.

jueves, 26 de mayo de 2011

La ola de Hokusai

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En Gnomo somos gravemente fans de la obra de Hokusai. Nos encanta El sueño de la mujer del pescador y el resto de sus grabados eróticos. También sus paisajes, que nos causan como arrebatos. Pero, sobre todo, nos tiene fascinadas su Gran Ola.

Por eso cuando vimos esta cortina de baño no pudimos evitar dedicarle todo un escaparate. Y es que las olas son para el verano...



La gran ola de Kanagawa es la obra más conocida de Hokusai y la primera de su famosa serie Treinta y seis vistas del monte Fuji.

Los grabados de Hokusai y muy especialmente su ola influyeron enormemente en hitos del arte el siglo pasado como los posimpresionistas o el pintor pop Lichtenstein.

El grabado de Hokusai representa una fuerte ola justo en el momento en que (detalle que descubrimos al colgar la cortina de baño) está a punto re romper sobre una barca de pescadores. Aunque las protagonistas de la imagen son sin duda el agua y la espuma, al fondo aparece el monte Fuji, por lo que la pieza se incluye en la serie sobre esta célebre montaña.


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La ola de Hokusai es un motivo ideal para cualquier bañera.

Cuando te duches, déjate sacudir por la más célebre de las tempestades marinas y e introduce tu cuarto de baño en la historia del Arte.

jueves, 14 de abril de 2011

Hoy presentamos la intervención mural de Ima Picó en Gnono

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Un enorme muro blanco junto a la calle no podía pasar desapercibido para Ima Picó, una artista visual que saca la materia prima de sus obras de las imágenes y grafismos de la propia ciudad. Así, este muro que se sitúa en un difuso espacio entre lo público y lo privado fue el seleccionado por la artista para su nueva intervención mural en gran formato.




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Montaje de la intervención mural de Ima Picó en Gnomo

Ima Picó es una artista visual en cuyas instalaciones combina pintura y escultura con las últimas tecnologías digitales. Instalada en Mánchester, ha expuesto en galerías y museos de todo el mundo y ha participado en numerosos intercambios internacionales de artistas. Picó ha pasado las últimas semanas trabajando en su nueva intervención mural en la pared de entrada de Gnomo. Para presentar su pieza, ofrecerá un refrigerio este jueves 14 de abril a las 21:00 dentro de la propia tienda. Tendremos así la oportunidad de que la misma Picó en persona nos dé a conocer su trabajo.

miércoles, 9 de marzo de 2011

Henry Darger

"La de Henry Darger es una historia sorprendente. Su vida fue totalmente oscura, haciendo trabajos domésticos en Chicago. Cuando le tuvieron que llevar a una clínica, su casero descubrió un inmenso corpus de escritos en su solitaria habitación, un texto épico de 15.000 páginas densamente escritas con el título The Story of the Vivian Girls, in What Is Know as the Realms of the Unreal, of the Glandeco-Angelinnean War Storm, Caused by the Child Slave Rebellion."

Descubrí a este asombroso ilustrador retomando La madonna del futuro, una recopilación de artículos de Arthur Danto, a cuenta de la exposición que el IVAM de Valencia dedica a Jasper Johns. Topicueto me quedé.

"Había varios cientos de ilustraciones, un buen número de ellas realizadas en paneles horizontales hechos con hojas de papel de periódico juntas y empastadas. Estos paneles están poblados de numerosas muchachas presadolescentes que llevan vestidos de fiesta y carmencitas, que Darger calcó de ilustraciones de anuncios de ropa, tiras cómicas (Little Annie Ronnie) y de las primeras historias del Mago de Oz, con sus magníficas imágenes Art Nouveau de Dorothy o de Ozma. A veces las niñas tienen cuernos y cuando aparecen desnudas normalmente tienen pene. Darger compiló un diccionario de gestos corporales con objeto de lograr un significado narrativo; e hizo collages con flores, animales e incluso paisajes sobre las mismas hojas. De un modo curioso parecía impulsado por el mismo orden de visión artística que Joseph Cornell (que en muchos aspectos tuvo una personalidad similar). Cornell tampoco dibujaba, sino que usaba fotostatos y el collage para sus efectos. Pero el arte de Cornell tiene explicaciones que lo conectan con el mundo del arte: se tropezó con uno de los libros de Max Ernst de collages formados por recortes de antiguos grabados, yuxtapuestos en una especie de sintaxis onírica; y sus propios collages tempranos se exhibieron en exposiciones surrealistas."

A poco que busques en el Google, hay montones de imágenes e incluso la Wikipedia nos hablar de Henry Darger. Sus ilustraciones son tremendamente originales y profundamente perturbadoras, poéticas y expresivas, asombrosamente hermosas. Una obra inmensa realizada por un señor que nunca tuvo relación ni interés con la esfera de la ilustración y el arte profesionales.

"Darger procede de ninguna parte, y su visión, en contraposición con la de Cornell, era narrativa más que lírica. Las Vivian Girls están amenazadas permanentemente por una milicia de sádicos y las imágenes pueden llegar a ser bastante violentas. Pero el aire general es de paz y seguridad doméstica, en el que las chicas gozan de entretenimientos inocentes en parques o en interiores espaciosos o acogedores, y están protegidas por animales parecidos a dragones ornamentales y benignos que Darger llamaba 'Blengins'. Hay una claridad y una exactitud en los complejos agrupamientos y una improbable adecuación de estilo contenido que resulta excitante, como si Kate Greenaway hubiera ilsutrado el Mahabharata. Sesenta y tres de los dibujos de Darger, así como valiosos vídeos y algunos otros materiales, se pueden ver en el Museum of American Folk Art."

(Las citas son del artículo "Outsider art" de Arthur C. Danto, publicado originalmente en The Nation en marzo de 1997 y recopilado en La madonna del futuro, Paidós, Barcelona, 2003.)

jueves, 28 de octubre de 2010

Historia de la fotografía en trescientos sesenta grados

 El primero en imaginar y plasmar una imagen de 360º fue el pintor inglés Robert Barker, cuando en 1787 acuñó el término "panorama" para sus paisajes pintados sobre una superficie cilíndrica. Construyó un edificio efímero en Leicester Square para mostrar sus "panoramas" de 360º a los londinenses. Al entrar, los visitantes se encontraban en un espacio central rodeados de vistas de la Inglaterra de la época, que en aquel momento estaba en plena revolución industrial. Por primera vez los límites de la representación pictórica se expandían, mostrando al público imágenes envolventes de 360º de Londres o Edimburgo. Robert Barker hizo una fortuna con su invento y, además, abrió las puertas a la creación de imágenes panorámicas.


Algo después, en 1826, el francés Joseph Nicéphore Nièpce inventó la fotografía. La pintura naturalista y documental, incluyendo los paisajes y "panoramas", sufrieron una grave crisis. En su momento fue lo más ver cuadros enormes con escenas detalladas de la batalla de Waterloo, pero ahora esas mismas pinturas se habían vuelto aburridas al lado de la fotografía, que conseguía cotas cada vez mayores de mercado con sus representaciones increíblemente más exactas. Aunque la fotografía, al igual que la pintura antes de la llegada de los "panoramas" de Barker, estaba en principio limitada en su escala, las primeras fotos panorámicas no tardaron en llegar: el austríaco Joseph Puchberger inventó la primera cámara panorámica en 1843.


Pero la cámara de Puchberger sólo alcanzaba a fotografíar 150º, aún lejos de los 360º de los "panoramas" pictóricos. Fue en 1857 cuando el inglés M. Garrela pantentó una cámara que rodaba sobre su propio eje y consiguió la proeza. Usando un mecanismo rotatorio de relojería, ésta fue la primera cámara capaz de captar imágenes de 360º. A partir de la invención en 1888 del acetato flexible, que sustituyó las gruesas planchas usadas en en los comienzos de la fotografía,  varias cámaras panorámicas fueron inventadas tanto en Europa como en EEUU y la fotografía panorámica se popularizó en todo el mundo.

La cámara más usada por los profesionales en aquella época era la Cirkut, creada en 1904 por la Rochester Panoramic Camera Company. Kodak compró la empresa pocos años después y siguió fabricando la Cirkut durante varias décadas. También había caballeros que construían sus propias cámaras para uso privado, produciendo sus propias imágenes panorámicas. Entre ellos estaban Federick W. Mueller de Baltimore, quien patentó una cámara de 360º que bautizó Cyclorama y que fue usada a principios del siglo pasado por la marina estadounidense para tomar sus primeras fotografías desde el aire. O George Lawrence, otro pionero fotográfico, prácticamente un artesano, que construyó varias cámaras panorámicas en los primeros años del siglo XX. La fotografía que tomó de San Francisco después del terremoto de 1906, titulada San Francisco in Ruins, se convirtió en legendaria.



En esta época las cámaras todavía eran muy pesadas y difíciles de manejar, por lo que exposiciones cortas con cámaras panorámicas eran inviables. El propósito de estas pesadas bestias era fotografiar paisajes con gran calidad, generalmente con fines documentales, militares o científicos.¿Cuándo se convirtieron las cámaras de 360º en algo fácil de manejar? Las cámaras de mano empezaron a crecer en popularidad cuando en los 50 se introdujo la película de 35mm como el estandar para la fotografía amateur. La primera cámara de 360º que usaba película de 35mm fue la japonesa Panorax Zi-A de 1958. Pero como este tipo de imágenes espectaculares tenían más salida en el sector profesional, donde se buscaba una tamaño y calidad mayor y el coste era secundario, no volvieron a producirse nuevos modelos de cámaras de 360º con película de 35mm hasta los años 80. Hasta entonces, los chinos capturaban imágenes de 360º con la Sea Gull RL-360, fabricada en 1969 y que usaba carrete en blanco y negro de 8 pulgadas, y los estadounidenses utilizaban para sus "panoramas" la cámara eléctrica de 70mm Cyclo-Pan 70 de o bien la Hulcherama, una cámara de 360º con película de 120mm o 220mm que fue desarrollada en 1979.

En los 80, finalmente varios modelos de cámaras de 360º llenaron el mercado. Estas nuevas cámaras tenían opticas de gran calidad, batería eléctrica y controles manuales. Entre ellas estaban la Globuscope, una cámara de 360º con película de 35mm que funcionaba con girando sobre una motor eléctrico, la Panoscope de 1985 y la Roundshot de 1988, las tres inventadas en Suecia. Estas cámaras conseguían resultados fantásticos pero seguían limitadas al sector profesional a causa de su precio. Ninguna cámara panorámica de finales del siglo pasado costaba menos de 1.000 dólares.

A día de hoy todo esto es historia y una nueva era en la fotografía de 360º está a punto de comenzar. Basada en estas cámaras ochenteras, la Spinner 360º de Lomography combina la exposición corta y la fotografía panorámica. Hasta ahora el giro completo requería paciencia, un trípode y notable preparación. ¡Con la Spinner 360º de Lomography, el mundo y toda su belleza circundante está finalmente al alcance de cualquiera y es más creativo, más apasionante y más experimental que nunca!

viernes, 22 de octubre de 2010

Chicas con cascos


" Un fetichismo contemporáneo bien podría ser éste, el de 'Las chicas con Cascos' que Viner ha pintado desde su estudio de Nueva York. Porque es hermosos observar a una persona que está pensando en sus cosas con los Cascos puestos como símbolo de independencia y desonexión externa *—-* "

Así habló Dadanoias.

jueves, 8 de enero de 2009

Exposición Porno Tapados de Paloma Blanco en Duduá

Siendo como soy fan del Pornotapados de Paloma Blanco, y en general de todo el material que con sensibilidad tan exquisita edita Belleza Infinita, es para mí un placer anunciar la exposición de los originales del libro y nueva obra inédita, cuya inauguración se celebrará mañana, viernes 9 de enero, a las 20:00 en Duduá, en Barcelona.

jueves, 30 de octubre de 2008

El Grito que grita

Peluche de El Grito de Munch

¡Si lo aprietas, GRITA!

"I stood there trembling with fright and I felt a loud, unending scream piercing nature."

miércoles, 13 de agosto de 2008

sirenas II

Mostrábamos el otro día sirenas fotográficas.
Aquí van unas pocas pictóricas.

pintura pop para tiempos pop

J.R. Williams es un pintor cuya obra, que va colgando en su flickr,me seduce y fascina cada vez más.
Tiene mucho de Lichtenstein, claro. Pero como más desenfadado y contemporáneo.
Sus "painted ladies" son refrescantes como la fruta de verano.

jueves, 17 de julio de 2008

Spiderman y el arte moderno

Una de las operaciones pictóricas más populares de Roy Lichtenstein era reapropiarse de viñetas de tebeos. Las más emblemáticas son sus hermosas rubias. Pero un cuadro especialmente significativo de la obra del pintor es el primerísimo plano de Magneto inquiriendo: "What do you know about my image duplicator?"

Lichtenstein se apropiaba de viñetas de tebeos pero también de grabados japoneses, fotografías de interiores, pinceladas, onomatopeyas, tramas... Todas su obra, siempre, trata sobre la representación gráfica.

En sus cuadros, Lichtenstein no pinta una chica, sino la representación de una chica. Se entiende con más facilidad en sus igualmente famosas pinceladas: no son pinceladas (la trama, la línea, el código gráfico en definitiva lo evidencia) sino representación de pinceladas. En el caso concreto de la viñeta de Magneto, es fácil suponer que lo que llamó la atención de Lichtenstein fue la referencia al "image duplicator", que tanto encajaba con los temas del pintor.

Era un juego con un nuevo punto de complejidad, divertido y muy moderno, por aquello de "el arte sobre el arte". Lo jugó Warhol, reproduciendo con exactitud embalajes de productos industriales, y también el pintor pre-pop Jasper Johns, con sus dianas y banderas. Pero para Lichtenstein, la representación gráfica fue el tema al que dedicó toda su obra.

La página de arriba pertenece a uno de los últimos números de Spiderman, guionizado por Dan Slott y dibujado por Marcos Martín. Se ha fijado en ella Con C de Arte y ha colgado algunas más del mismo número. Lo divertido del asunto es que observar la misma operación en la dirección inversa: un tebeo de superhéroes quien se apropia de la pintura moderna.

Ciertamente, las imágenes de Lichtenstein forman ya parte del imaginario popular y se ha utilizado y reutilizado en multitud de campos: publicidad, decoración, ropa... Pero generalmente estos usos se limitan a la estética más epidérmica.

Nunca había visto una operación tan especular como la de este número de Spiderman. Igual que Lichtenstein se apropiaba de las imágenes de los tebeos para llevarlos a los códigos de su pintura y ponerlos al servicio de sus temas e intereses, Dan Slott y Marcos Martín introducen las formas de Lichtenstein en un tebeo de superhéroes, las sumergen en él tanto formal como semánticamente. Las viñetas pasaban en manos de Lichtenstein a convertirse en piezas pictóricas, en óleo y sobre lienzo, colgadas en paredes de museos, ofrecidas para la contemplación y la disquisición artística. En el tebeo de Slott y Martín, el personaje de los cuadros del pintor se convierte en un colorido supervillano de Spiderman que se enfrenta al héroe en estetizado combate.

lunes, 15 de octubre de 2007

Era una chica muy mona...

Si os pasáis un día de estos por Barcelona, hay un par de exposiciones que no podemos dejar de recomendaros...


En la Fundación Joan Miró expone hasta el 11 de noviembre Aya Takano, pintora, diseñadora de videojuegos y disñadora de ropa. Una japonesa friki, friki, friki y con unos trabajos monísimos.


En la Galería Iguapop exponen Eva Armisén y Nerea Pozo, dos pintoras entrañables y de sorprendente calidad.